Artholic Freepaper - interview

アーティスト・鈴木雅明

2011-12-15T23:35:00.000+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回はアートラボあいち1Fに作品を展示中の鈴木雅明さんにお話を伺いました。

鈴木雅明《無題》　キャンバス・油彩、2011年

アートとの出会いについて教えてください。

子どもの頃から絵を描くことが好きでした。しかしそれはアートとして絵を描くというよりもマンガを読んだりゲームをしたりするのと同じような感覚のものだったと思います。

アートを意識するようになったのはもっとずっと後で大学に入ってからだと思います。中村英樹先生の講義で白髪一雄が綱にぶら下がって汗だくで足で絵を描いている映像を見たときの強烈な印象が本当の意味でのアートとの出会いだったと思います。

夜の街角の情景を描いた作品で注目されましたが夜の街を描くようになったのはなぜですか？

僕は大学で洋画コースに在籍していました。2年生までは課題があってそれを一生懸命こなすという感じでしたが

3年生になってからは自由課題という何をやっても良いという課題に変わりました。

そこで何を描こうかいろいろ考えたのですが結局何も描くものが見つからず、彫刻コースで粘土や樹脂を触らせてもらったり、商店街のアートイベントを手伝ったりしていました。

そして作品らしい作品を作れないまま卒業制作の時期が来て、それでも自分は絵が描きたくて絵を描くことにしました。しかしやはり何を描いたらいいのかがさっぱりわかりません。そこでいろいろなものを写真に撮ってそれを見ながら描けば描けるのではと思い身近な風景を写真に撮ってそれを見ながら描くようになりました。制作を進めていく中で夜に撮影した写真を見ながら描いたものがありました。昼間に撮影する写真とは違って夜写真を撮ろうとするとどうしてもブレたりボケたりしてしまってうまく撮ることができません。しかし輪郭や形が曖昧になったイメージは絵の中で自由に輪郭や形を決めることができ、僕にとってはとても描きやすいイメージでした。

夜の街の風景を描いているのでロマンチックとか寂しい、街灯の光が希望の光に見えるといった感想を頂くことが多かったのですが僕自身はそういう感情を持って制作したことは一度もありません。

むしろイメージに対してはもっとクールというか、感情移入するのではなく夜景はあくまでも絵を描くためのイメージのひとつと考えています。

2005年に第4回夢広場はるひ絵画ビエンナーレで夢広場はるひ大賞、若手平面作家の登竜門といわれるシェル美術賞2005でグランプリを受賞されたことは鈴木さんの制作活動にどのような影響がありましたか？

2005年は大学院に行くための費用を貯めるためにアルバイトをしながら絵を描いていました。大学を出てからの制作は締め切りも講評会もないので制作のペースが乱れることがあって一つの区切りとしてコンクールに出品するようにしていました。受賞が直接何かにつながったということはありませんでしたが受賞後しばらくは新聞、雑誌などで広報していただく機会が増えたと思います。

大学院の学費を賞金でまかなえたことが一番嬉しかったです。

最近、作風をがらりと変えられたのはなぜですか？

夜景の作品を描きはじめて5年くらい経つのですが、なかなか作品を展開させることができずにいました。夜景じゃなく昼間や朝の日差しを描くということも考えましたがイメージを変えるだけでは作品が前進したことにはならないんじゃないかと思いました。そしてイメージをあらわすだけならば写真やCGなど他のメディアでも良いわけで絵画はそれだけで進めていけるものではないのかなという気がしています。

見る人に作風ががらりと変わった印象を与えるのは今の作品が夜景の仕事とかなり見た印象が違うからだと思います。しかし僕の中では今までの作品とも繋がっていて必然性を持って制作しています。まだ試行錯誤している段階でこれからも作品は変わっていくと思います。

木々の枝や、木の葉を揺らす風、木漏れ日がのびやかなストロークで表現されていますが鈴木さんが制作する上でいま大切にしたいことは何ですか？

僕が今まで制作してきた夜景の作品では写真をベースにしていることもあり、最初に描くイメージが大方決まっていました。しかし今制作している作品では描くイメージを先に持つのではなく、描くことの積み重ねの中からイメージを探ろうとしています。ストロークが枝や木に見えてきて、それで木や枝を描いたものが多くなっていますが本当は描くものは何だって良かったのです。描くということを大切にして制作をしていきたいと思っています。

鈴木さんが運営メンバーとして関わるアーティストランの展示スペース、GALLERY GOHONがオープンして1年経ちましたが、スペースの運営は鈴木さんの制作にどんな影響がありましたか？

GALLERY GOHONは2010年11月にオープンして1年経ちました。2年間限定のプロジェクトなのですでに半分の期間が過ぎました。1年の間にもたくさんの作家さんや美術に関係している方々が訪れて下さり今後も制作活動を続けていく上で大きな刺激をいただきました。それは僕だけではなくGOHONのメンバー全員に言えると思います。

作品制作にダイレクトに影響したというよりも考え方や制作に取り組む姿勢など作家として活動を続けていく上での影響の方が大きかったです。

アートラボあいち1Fスペースでの作品展示やGOHONでの個展、masayoshi suzukiギャラリーでのグループ展と発表の機会がここのところ重なりましたが来年はどのように展開していきたいですか？

今のところ展示の予定もあまりないので、発表を前提に制作するというよりは今回の一連の展示での作品の問題点や展開などをじっくり探りながら制作できればと思います。

東海のアートシーンについてどう思われますか？

今まで愛知に住みながら制作してきましたが愛知のアートシーンに触れる機会があまりなかったので正直よくわかりません。でもGOHONに来てくれる作家さんや学生さんなどと話しをしたり展示を見に行ったりする中で良い作品を着実に作り続けている作家さんがたくさんいるなぁという印象を持ちました。あとあいちトリエンナーレの影響もとても大きいと思います。アートラボあいちなど若い作家が発表できる機会も増えてきていて僕が大学に入った頃よりも活気があるように思います。

■鈴木雅明プロフィール

1981　愛知県生まれ

2004　名古屋造形芸術大学洋画コース卒業

2006　第21回ホルベインスカラシップ奨学者

2008　愛知県立芸術大学大学院美術研究科修了

主な個展

2006　ギャラリーセラー　(愛知)

2006　はるひ美術館　(愛知)

2007　Bunkamura Gallery　(東京)

2008　ギャラリーセラー　(愛知)

2008　Bunkamura Gallery　(東京)

2009　ギャラリーセラー　(東京)

2010　松坂屋本店美術画廊　(愛知)

2011　GALLERY GOHON（愛知）

主なグループ展

2004　シェル美術賞展2004 (代官山ヒルサイドフォーラム / 東京)

2005　第4回夢広場はるひ絵画ビエンナーレ (はるひ美術館 / 愛知)

2005　シェル美術賞展2005 (代官山ヒルサイドフォーラム / 東京)

2005　fine ship (名古屋市民ギャラリー矢田 / 愛知)

2006　名古屋市美術館特別展「名古屋」の美術 -これまでとこれから- (名古屋市美術館 / 愛知)

2007　第26回損保ジャパン美術財団選抜奨励展(損保ジャパン東郷青児美術館 / 東京)

2009　第1回青木繁記念大賞西日本美術展 (石橋美術館 / 福岡)

2009　あいちアートの森広小路プロジェクト (SMBCパーク栄 / 愛知)

2010　MEETING 2010 (清須市はるひ美術館 / 愛知)

2010　GALLERY GOHON OPENING EXHIBITION (GALLERY GOHON / 愛知)

2011　AICHI GENE -some floating affairs- (豊田市美術館展示室9 / 愛知)

2011　ART LINE 01 (masayoshi suzuki gallery / 愛知)

受賞

2005年　第4回夢広場はるひ絵画ビエンナーレ夢広場はるひ大賞

2005年　シェル美術賞2005　グランプリ

2007年　第26回損保ジャパン美術財団選抜奨励展　秀作賞

■展覧会情報

ALA Project No.5 鈴木雅明

会期：開催中～12月25日（日）11:00～19:00　月・火曜日休館

会場：アートラボあいち1F

http://www.artlabaichi.com/

アーティスト・ジャンボスズキ

2011-09-16T00:16:00.000+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、2人展が開催中でアートラボあいちにも作品を展示中のアーティスト、ジャンボスズキさんにお話をうかがいました。

アートとの出会いを教えてください
子供の頃から絵を描くのは好きでした。でもそれは落書きみたいなもので、高校の美術の授業で初めて油絵を描きました。初めて使った油絵具が「なんだ、これは！」というくらい衝撃的でした。

美大を受験しようと思ったのはなぜですか？
僕の高校は就職する人が多く、でも就職したくないなあと進学を検討するうちに美大に行きたいなあと。でも美大に行けるとは思っていませんでした。建築系の専門学校に進学する人はいましたが、美大に進んだのはおそらく僕が初めて。卒業後しばらくは本を見てデッサンを練習していましたが、周りと比べたことがなく、自分が置かれている状況がわかりませんでした。1浪して受けた美大の入試で、ほかの人がいるところで絵を描いてみて自分の実力を思い知り、そこから予備校へ行きました。

See Saw gallery＋cafeで二人展をされている長谷川繁さんは大学の恩師ですよね？
2年生の時、授業で出会いました。本格的に教わったのは3年生の時ですが、長谷川さんの存在は、僕の展開に大きな影響力を及ぼしたと思います。授業に「1000本ドローイング」とうのがあったのですが、SeeSawに展示したドローイングはその時に描いた作品です。

作品に影響を受けていると思うところはありますか？
自分では長谷川さんと似てると思ったことはありませんが、今回も並べてみたら違和感がありませんでした。長谷川さんとは距離が近いので、あえて作品が影響されないように意識しています。でも、似てると言われることに嫌な気はしません。

どのように絵をつくっていくのですか？
時期によって微妙に違いますが、ドローイングをもとにしているのは一貫しています。紙などに描きなぐった中から出てきたモチーフから構築していきます。最近では、まず頭の中でドローイングをしてから、いけそうだったら手で描いてみて、そこからいきなりキャンバスに描いていきます。途中でかなり変わっていきますが、そこがかえっておもしろいです。
自分としては描く物の質感が重要で、その物本来の質感というより絵の中での質感が大事なので、納得いくまで描き続けます。たとえば、生肉にしてもパンにしても描く時に写真を見ることはありますが、忠実に再現しません。きっかけにするだけで、「肉はこうだ」という自分がイメージする質感を表現します。

山が生肉だったり、雲がパンだったりと、身近なモチーフがしばしば思いがけないイメージになって描かれていますね
具体的な物を描く時は一般的で誰もがわかる物を心がけますが、固有名詞がある物はそこからイメージが広がりにくいので避けています。誰でもわかる物を描きながらも、わかりやすい絵は描きたくないと思っています。生肉を山にしたのは、その形がおもしろいと思ったからです。

今回アートラボあいちに展示された作品の見どころについて教えてください
《連山》は、OJUNさんの企画で現代ハイツというギャラリーで発表したもの。これは拝戸さんが選ばれましたが、もう一枚の《モーニング・セット》は《連山》だけで大丈夫か心配で、念のために持ってきた作品です。《連山》とのバランスを考えて自分で選びました。見る人にはどう見ていただいてもいいですが、ただ「山だな」とそこで止まってしまうのではなくて、作品から自由にイメージを広げてほしいです。それを僕にフィードバックしてくれると、今後の展開をそこから考えることができるのでうれしいです。

スズキさんが絵を描き続けているのはなぜですか？
描き始めたばかりなので、まだまだ未知の領域があるんじゃないかと。本当はさらっと描いた作品が好きなのですが、これでもかと描いてしまい、なかなかさらっと終わらせられないのは、まだその域まで到達していないからだと思います。

See Sawでの後期展示が9/13から始まりましたね
100号の新作を展示するのでそれを見てほしいです。トヨタアートコレクションとなっている《冠婚葬祭》の延長上にある作品です。

東海のアートシーンについてどう思われますか？
名古屋で活動している同世代の友人達は自主運営のスペースを作ったり、後輩の学生はさまざまな人に呼びかけて、一つの大きな展示を企画したりしています。若い人達がアートシーンに対して、積極的に働きかけていると思います。

■ジャンボスズキ　プロフィール
1980年　東京都に生まれる
2007年　名古屋造形大学美術学科卒業

【グループ展】
2005年「百花繚乱」BOICE PLANNING（神奈川）
2007年「アウトレンジ　2007」文房堂ギャラリー（東京）
2008年「DRAWING」TIME&STYLE MIDTOWN（東京）
　　　「VOCA展　2008」上野の森美術館（東京）
　　　「生まれつつある現在　2008　−５人の作家によるー」文房堂ギャラリー（東京）
　　　「ART man」豊田市美術館（愛知）
　　　「THE NEXT」Gallery Stump Kamakura（神奈川）
　　　「99人展」名古屋市民ギャラリー矢田（愛知）
2009年「名古屋造形同窓会40周年記念展」名古屋市民ギャラリー矢田（愛知）
　　　「echo」文房堂ギャラリー（東京）
　　　「アテンプト２／Attempt」カスヤの森現代美術館（神奈川）
2010年「ショコラ・デル・トロ・フチュウ」LOOP HOLE（東京）
　　　「node vol.1」東京造形大学内　学生運営 gallery node（東京）
　　　「群馬青年ビエンナーレ　2010」群馬県立近代美術館（群馬）
　　　「千代かИван」現代HEIGHTS（東京）
　　　「LOVE CALL」KICHIO GARAGE（神奈川)
　　　「TDW-ART　ジャラパゴス展」（東京）
2011年「Art in an Office　印象派・近代日本画から現代絵画まで」豊田市美術館（愛知）
　　　「Art for Tomorrow」tokyo wonder site shibuya（東京）
　　　「ジャンボスズキ × 長谷川繁」gallery+cafe see saw（愛知）

【個展】
2011年「Mille Lacs Lake」LOOP HOLE（東京）
　　　「ALAプロジェクト１」ART LAB AICHI（愛知）

【その他】
2008年　横浜アート＆ホームコレクション（神奈川）
2010年　アート天国「虎の巻」2010（東京）
2011年　ART TAIPEI 2011（台北）

■展覧会情報
ジャンボスズキ × 長谷川繁
会期／開催中～10月15日(土)　12:00-17:00、12:00-19:00(金・土)　日・月休
会場／See Saw gallery＋cafe(名古屋市瑞穂区蜜柑山町2-29)
※9月17日(土)15:00～アーティストトーク、参加費500円(ワンドリンク付)、要申し込み
詳細は→http://www.cafe-see-saw.com

アーティスト・近藤サヨコ

2011-06-15T02:14:00.000+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、来月に個展を控えたアーティストの近藤サヨコさんにお話をうかがいました。

アートとの出会いを教えてください

子供の頃からキャラクターやマンガのような絵をよく描いていました。絵を描くことは好きだったけれど、高校は普通科へ。高校の時は美術といえば絵か彫刻という認識しかなく、日本画を描く時に水彩でデッサンをするのが好きだったので、美術短大の日本画コースへ進学しました。

映像に興味を持ったきっかけはなんですか？

短大を卒業後、四大の総合造形コースへ編入。短大では映像部に所属し、そこで初めて映像も美術だと知りました。今ほど携帯やデジカメが発達していなかったので、自分で撮影、パソコンで編集して作品ができるのがとても新鮮でした。

自作の人形をセットで撮影されていますが、どんなこだわりからそのようにされているのですか？

最初は友達に出てもらったりして、人形は使っていませんでした。今のスタイルになったのは大学4年生くらいから。友達だと何度も撮り直すのも申し訳ないし、海のシーンを撮りたくても、海に行くのは大変。人形だったら疲れないし、セットをつくれば思い通りに撮影できるかと。
また、球体関節の人形に興味を持っていたというのもあります。大学に入った頃に四谷シモンの作品を知り、こんなにカッコいい世界があるんだと。その時は人形を自作しようとは思いませんでしたが、それと自分の作品を組み合わせたら自分の好きな世界観を表現できるのではと思っていました。

物語はどのように発想されるのですか？

ストーリーをつくり、それに合わせて人形やセットを製作し、撮影をして、映像ができてから音楽や効果音を付けています。自分で脚本を書くのは映像部に入った短大1年生の頃から。当時はエログロに憧れていたのでそういう要素もありましたが（笑）、薄暗くてじめっとした感じは変わりません。太宰治や横溝正史、江戸川乱歩、泉鏡花の小説の影があり耽美ではかない世界観も好きでした。
私は育った新興住宅街にはそういうものがなく、父母の実家も都会だったので、漠然と田舎の村や鳥居のある風景の薄暗さや怖さに憧れがあって。だから横溝正史が描く、閉塞感のある村や孤島の暗くて怖い感じに憧れがありました。
物語は、生活の中で美しいとか面白いとかちょっと心に引っ掛かったこと、たとえばミツバチの生態とか青いバラができないこととか、そういうものを普段からメモしています。映画のようにこのシーンを撮りたいと思う時もあります。そういったものをつなげて１つのストーリーにしていきます。私自身が一からオリジナルでつくるのではなく、キーワードをつなげている感じです。

作品をとおして表現したいことは？

「戦争反対」とか「アートで世界が変えられたら」とか、そういうことは思いつきません。私の作品が何かを変えられたり影響力を持つとは思えないからです。私にとっての作品は日記のようなものです。昔の作品を見ると、自分だけにその時考えていたことがわかるというか。日記を人に公開している感じでしょうか。

見る人にこう考えてもらえたらとかありますか？

たとえば月を見ると「きれい」と思いますが「きれいすぎて怖い」とも思います。作品ではその怖い方を増幅させて、ニ面性のマイナスの方を見せたいです。
私は自分が楽しむために制作しています。他の人に伝えるためにと思えることはすごいと思いますが、「戦争反対」とか言えないし、それを伝えるメッセージが私の作品にあるとは思えません。あくまでも私的なものの見方や、感じ方を見ていただければ、できたら共感していただければと思います。

来月の個展ついて教えてください

新作はどれも物を集める話です。私自身、物が捨てられないし、ひととおり集めたい方で、たとえばフェルトで何かつくりたいと思うと全色集めて、それだけで満足し何もつくらなかったり。自分の好きなものに囲まれていると安心します。人のアイデンティティは持ち物によっても決まってくると思います。捨てることは業が深い。でも集めるだけで安心してしまうのも業が深い。そこを増幅させて物語をつくりました。

東海のアートシーンについて

ここに行ったらいつも面白いことをやっているという場所がないように思います。個々の展覧会は面白くても、「名古屋の現代美術ならここ」というような、いつも満足できる展示をやっているところがないのが残念ですね。

■近藤サヨコプロフィール

1979.08 名古屋で生まれる
2002.03 名古屋造形芸術大学　総合造形科　卒業
2007.01　個展「花と蝶と」 (ギャラリーアートフェチ)
2007.08　個展「待宵月」 (ギャラリーアートフェチ)
2008.11　個展「彼方の黄昏」 (ギャラリーアートフェチ)
2011.05　グループ展　「Woodland Gallery 2011」（美濃加茂文化の森）

ホームページ　http://www.kondosayoko.com/

■展覧会スケジュール
近藤サヨコ映像展「蒐集するにあたり」
日時／2011年7月16日(土)～8月7日(日)13:00～19:00
　　　※会期中の金・土・日曜日・祝日のみ開廊
場所／CROSSING(名古屋市中区栄2-4-12 チサンマンション広小路2F 209)
　　　※7月16日より開設

あいちトリエンナーレ2010アシスタント・キュレーター吉田有里さん

2011-03-14T22:21:00.000+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。
今回は、あいちトリエンナーレ2010アシスタント・キュレーターの吉田有里さんにお話をうかがいました。

■アートとの出会いについて教えてください

私が中学生だった1995年に、自宅から自転車で行ける距離に東京都現代美術館ができました。その時、美術館がリキテンシュタインの作品を何億円かで購入したことを知り、「学校にはクーラーがなくて暑くて勉強できないのに、そんな高い絵を買って」と怒りにかられて見に行ったんです。そうしたらジェフ・クーンズの掃除機の作品などおもしろい作品が展示されていて、それまでは絵や彫刻が美術だと思っていた私には衝撃でした。その後いろいろ調べていくうちにそれが現代美術というものだとわかり、それが勉強できる大学があることを知って、多摩美術大学の芸術学科に進みました。
大学では、アーティストや展覧会をつくっている人やその仕事に興味を持ち、ボランティアで現場に関わるように。2002年の「コマンドN」では、秋葉原の家電店に並んでいるテレビに映像作品を映す「秋葉原TV3」いう企画で、お店の方と交渉したり、チラシで宣伝したり、アーティストの制作の手伝いをしました。それがきっかけでキュレーターやコーディネーターなどアートに関わる人たちと出会い、彼らが関わるプロジェクトを手伝うようになりました。
その後は、2004年にBankART1929に手伝いに行くうちにアルバイトになり、卒業後もそこで仕事を続けました。

■在学中からまさに現場で学んでこられた吉田さんですが、大学にはアートマネジメントを学ばれたのですか？

多摩美術大学は現代美術を専門としている教授が多く、論文と展覧会・イベントの企画が芸術学科の卒業課題でした。私は建畠さんのクラスでしたが、BankARTでアルバイトを始めていたので、BankARTを会場にして、「国際展とは何か」というシンポジウムを企画しました。それは、05年の横浜トリエンナーレのディレクターが磯崎新さんから川俣正さんに交代するきっかけとなる場となりました。マネジメントというわけではありませんが、大学に実践の場は多くありました。

■Bankartではどんな仕事をされていたのですか？

Bankart自体が地域に開いて行くスペースで、まちなかでの展覧会が多く、私が担当したものにも街に出て行ってというものが多くありました。具体的には、横浜にある飲食店100店舗に作品を設置する「食と現代美術展」のプロジェクトや、空きビルを使った展覧会などです。

■「秋葉原TV」から一貫して地域系の展覧会に関わっているのですね

私は美術館の学芸員をしたことがないですが、最初から実践の場が街だったので、ごく自然に抵抗なくまちなかでの展示に関わっています。

■「あいちトリエンナーレ」にはなぜ関わることになったのですか？

BankARTを退社した時、恩師の建畠さんに声をかけていただきました。「あいちトリエンナーレ」のまちなか担当にと推してくださったのも、それまでの仕事を見ていてくださったからだと思います。

■長者町は問屋街で一般的な商店街とは異なりますが、やりにくかったことはありますか？

名古屋に来るまで街が得意だとは気づいていなくて、ごく自然にやっていました。まちなか担当として仕事をするようになり、あらためていろいろな視点で考えるようになったのですが、長者町はまちなかのアートプロジェクトへの重要な要素が重なっている奇跡的な街だと思います。まずスケールがちょうどいい。完全なシャッター街ではないし、問屋街なので集客しても店の直接的な利益にはならず、利害関係が生まれません。街の人たちは、トリエンナーレといっても最初は「何語？」という状態でしたが、前年にプレイベントをやったことで理解してもらえるようになりました。まちづくりにも熱心で、最初から応援してくれている人たちがいて、力を貸してくれたのも大きかったです。

まちなかのプロジェクトは生活している人にはたいへんなことやリスクが少なくありませんが、長者町は約2万人が働いているものの、約400人にしか住んでいません。夜はほとんど人がいないので、パーティーや夜中の作業をしても苦情がありません。ほとんどの店舗が土日休みなので土日にイベントもできます。シャッター街を使ったプロジェクトだと街自体に活気がないので何事もスピーディにいきませんが、長者町では社員の方が業務の一環として、まちへの貢献のために手伝っていただけたのでスピーディに準備が進められました。また土地と建物の所有者が同じ場合が多く、オーナーひとりの判断で場所を借りることができたりと、長者町にはまちなかのアートプロジェクトで問題になりそうな要素を最初から回避できるポイントがたくさんあったといえます。

また、よそ者を排除するかと思いきや、東京からわざわざ来たんだからすごいことをやるんじゃないかと逆に期待してくれたようです。街の人たちは、このまま繊維業だけ続けていたら衰退するという危機感を持っていて、ゑびすビルのプロジェクトやゑびす祭りを行うなど、どうにか街を変えたいという気持ちが強かったようで、新しいことやよそ者を歓迎してくれました。

たいへんだったのは、5月末まで展示する場所が決まらなかったこと。作家は3月にはほとんど決まっていましたが、場所が決まらないからプランが出しようがないという人もいて、逆にプランを出してきた作家にはそれに合わせて場所を探さなきゃいけないということもあり、時間と場所のせめぎ合いで苦労しました。その甲斐あって、芸文センターと同じくらいの面積を確保できました。

■特にやりがいがあったのはどの展示ですか？

担当していた中では、KOSUGE1-16の山車プロジェクトです。とくにKOSUGE1-16の山車プロジェクトは、プレイベントから2年がかりで取り組みました。
プレイベントといえば、09年4月にはじめて長者町に来て、5月に開催が決まったのが、10月に行われた「長者町プロジェクト」でした。9か所で展示を行いましたが、5月の時点で確保されていたのは繊維卸会館だけでした。
「長者町プロジェクト」は、トリエンナーレの展示場所の確保や街の人へのプレゼンという意味でも重要でした。街の人はアーティストのイメージがないので、場所を貸してくださいとお願いしてもペンキをぶちまけられるんじゃないかと不安なわけです。なのでプレイベントの会期中に土地の所有者や社長さんにアポイントをとって、個別ガイドツアーに参加していただきました。30回くらい行ったと思います。こういう感じで空間を使うというイメージを伝えたり、現代美術といってもこういうことをやりたいということを丁寧に説明していきました。

■いま長者町にどんな可能性を感じていますか？

いろんな要素が詰まっている街なので、トリエンナ―レを一過性のイベントで終わらせたくないですね。アートと街の関係性を継続して実験していくための、いいモデルケースになるのではないでしょうか。

■東海のアートシーンについて感じることは？

それぞれいろいろ文化的活動を行っている人はいますが、つながりが少ないように思います。大がかりでないイベントをやる場所がないので、フランクにいろいろなことかできる場所があるといいですね。長者町地区にはその可能性があると思います。アートアニュアル宣言をしたり、ナウィン・ラワンチャイクンの壁画やKOSUGE1-16の山車を街が引き取って管理することなり、それに併せて街で基金が設立されることになりました。

■今後の展開について教えてください

13年のトリエンナーレに向けて継続していける仕掛けを、事務局で考えていきたいです。現在もATカフェのあった場所でサポーターズクラブの「トリ勉」などのイベントが開催されていますが、あのビルをうまく活用していきたいというのが街の人の要望でもあり、事務局の希望でもあるので、イベントなどを行う拠点として残していけたらと検討しています。
また、どこかのイベントと連携して情報発信していけるシステムをつくっていけたらと思っています。トリエンナーレのことだけでなく、名古屋や愛知で行われているイベントと連携して、地域づくりの活動を全体にサポートすることでトリエンナーレにも返ってくるものがあるはずです。

ファン・デ・ナゴヤ美術展「黒へ／黒から」　企画者　片山浩

2010-12-16T01:54:00.001+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、2010年1月に開催のファン・デ・ナゴヤ美術展2011「黒へ／黒から」を企画されたアーティストの片山浩さんにお話をうかがいました。

ファン・デ・ナゴヤ美術展に企画を応募されたのはなぜですか？

「黒い作品」を集めたら、どんな展覧会になるんだろう？という興味は以前から頭の片隅にあったのですが、一見地味とも思える展覧会なので、ギャラリーなどに持ち込んでも関心は持たれにくいのではないかな、とも思っていました。そんな時に目に留まったファン・デ・ナゴヤ美術展の企画募集のチラシを読んでみると、今回から1室からでも企画応募が出来るとありました。もしかしたら小さくても密度のある展覧会が出来るのでは…と思い、応募しました。

展示の概要を教えてください

「黒」と「銅版画」をキーとして10人の作家が出品します。銅版画を経た彼らが持つ「黒」に対するこだわりや美意識には独特のものがあると思います。ただ、彼らすべてが現在、銅版画で制作しているわけではありませんので、リトグラフや写真など他の表現による作品も出品されます。表現方法が銅版画から変わっても「黒」に対する意識は彼らの中にとどまり制作の芯になっているように思います。そういった彼らがもつ「黒」への特別な意識をあらわにしたいと思います。

黒にこだわった版画作品に着目されたのは、片山さんのどんな問題意識からでしょうか？

実は「黒い作品」に興味を持ち始めたのは最近のことなのです。そのきっかけは、2008年にドイツのハノーファーでドローイングのワークショップに参加した時に、画材店で手に入れたグラファイトやチャコール、インクの黒の色の幅が新鮮で、それらを使って黒いドローイングを多く描いたことがあります。ワークショップから帰って来て、リトグラフの工房の隣にある銅版画の工房をあらためて見てみたら、「黒い」作品がそこで制作されている…。しかも幾人かの学生や作家の「黒」へのこだわりは尋常ではないように思えました。銅版画は版画の中でも版の表情やプロセス、技法の多様さなど要素が多い版種なので、イメージ性の他にもそのプロセスや版のあり方に関心を寄せる作家も多いのですが、私が彼らの作品の中から最も惹かれたのは色彩としての「黒」のあり方でした。
大学などで銅版画を学ぶ際は、当たり前のように黒いインクで刷ります。ほとんどの学生はその後、何の疑問も感じず、その黒インクを使い続けるのかもしれません。長い制作活動の中で、初めての銅版画制作で触れた色である「黒」を使い続ける彼らの「黒との関係」とはどんなものだろう？これから彼らはどんな距離感を保ちながら「黒へと向かうのか？」あるいは「黒から離れるのか？」という疑問がこの展覧会のアイディアの発端です。

現在、名古屋芸大でリトグラフを教えているので、先程のリトグラフの工房とは名古屋芸大の版画コースのことなのですが、同じ大学でも版種が違うとすぐ隣の工房なのにまるで雰囲気が違います。リトグラフで制作している私にとって、どんな色で作品を組み立てていこう、と考える過程は制作の上でとても重要なのですが、隣の部屋ではイメージやプロセスが違う作家達が、「黒」で刷っている。学生の講評会に出た時には「なぜ彼らは皆、黒で刷るんだろう？」という強烈な疑問が湧くことすらあります。ただ、興味深く彼らの制作を眺めていると、銅版画のプロセスの中で版の表面の表情を微妙に変えながら、「黒」という色彩を豊かに立ち上がらせようとしているように見えました。つまり数ある色彩の中の「黒」ではなく黒の中の「黒」を見つめているように思えたのです。この銅版画でどっぷりと作品制作を経験した作家の「黒」への感覚の独特さに気づいたことが、銅版画を経た作家よって展覧会を構成しようと思った理由です。

10名の参加作家はどのように選ばれたのですか？

始めから「銅版画を経験した作家から」という決め事をしていた訳ではありません。興味深い「黒い作品」をあげていくうちに銅版画による作品が多かったことと、私の銅版画に対する認識の変化から、「銅版画を経験した作家」を探すことにしました。

もともと1室で小さく密度のある展覧会を目指したので、作品の大きさよりも作品の持つ密度と色彩としての「黒」の質が違う作家を探しました。もう一つは「知られていない作家」を見たいということがありました。大学で版画に関わっているといくつもの版画のグループ展を見る機会が多いのですが、作品の大型化、版の概念の拡大といった問題を扱う「版画展」にはあまり関わってこない作家を探しました。企画に応募をする段階では、阿部大介さん、尾野訓大さん、川田英二さん、川村友紀さん、山口恵味さんに出品を依頼しています。

「黒へ／黒から」の企画が採用されてから、3階の全室を使うことになったので、出品作家を増やす必要が出てきました。基本的には20代から30代の作家による展覧会と思っていたのですが、もっと上の世代、つまり私が学生の頃に見て学んだ作家たちの20代から30代の時の作品と現在の20代から30代の作家の作品とが並んだ時に、どのようなことがおこるのだろう、という関心が生まれました。そんな時に白土舎の土崎さんに鈴木広行さんの70年代の作品を見せて頂いたときに、作品から受ける印象がとても新鮮だったので、このアイディアを進めることにしました。新作ではなく旧作を出品することを依頼することは難しいかと思いましたが、鈴木広行さんにはその後、快諾して頂きました。さらに作家を探す中で、織部亭の25周年のパーティーで武蔵篤彦さんとお話する中で、アメリカ留学時代に制作したモノクロームの銅版による作品の話を聞きました。武蔵さんはカラーリトグラフによる作品のイメージが強いと思いますが、そのアメリカでのエピソードを聞いた時にその「色と質」の起源を知ったように思い、その作品を出品して欲しいとお願いしました。そしてエンク・デ・クラマーさんはベルギーで活動している作家ですが、2004年に名古屋芸大の客員教授として滞在制作をしています。その時、制作を間近で見る機会があり彼の作り出す「黒」の強さが印象的でした。彼の作品を取り扱うOギャラリーに相談をしたところ出品に協力頂けることになりました。そして、その後もいくつかのギャラリーでの展覧会を見る中で、東条香澄さん、森田朋さんに出品を依頼しました。

今回、片山さんは出品されていませんが、それはなぜですか？

私には彼らのように「黒」に取り組み続けたことはありません。私の作品と制作における経験はこの展覧会のテーマに沿わないのです。自分が出せる展覧会ではなく、見たい展覧会を作る、というのが発端なので、始めから出品することは考えていませんでした。ただ、展覧会のことを考えるにつれて、どんどんと関心は深くなっています。

準備にあたり、ご苦労されたのはどんなところですか？

出品作家同士がほとんど初対面だったので、作家同士のコミュニケーションや展覧会に対する私の考えを伝えることには時間をかけました。作品に関しては彼らが会場でどのように展開することになるのか、楽しみにしています。
準備にあたっては、いろんな人にアドバイスをもらったり手伝ってもらったりしているのでそれほど苦労というものは今のところ感じていません。ただ、これから展覧会が終わるまでに起こる、いろんなことに対する準備が大変になるだろうな、という予感があります。

ズバリ見どころを教えてください

さまようように「静かな密度のある」黒い作品の中を歩いてください。会場をうろうろとする中で、作品のなかに潜む作家の視点や考えを見つけてもらえたらと思います。

最近、特に20代から 30代の7名の作家の作品を見ていて気がついたのですが、彼らの画面の中にはそれぞれ独特の時間の流れが閉じ込められているように思います。その時間の流れは、銅版画という表現方法を通してでしか獲得出来ないものかもしれません。「黒」という色彩とともに「時間の流れ」が見どころかもしれません。

鈴木広行さん、武蔵篤彦さん、エンク・デ・クラマーさんは現在も次々と新しい作品を発表されていますが、今回は30代のころ、どっぷりと「黒」に取り組んでいた頃の作品も出品して頂きます。当時を御存じの方は、今の20代から30代の作家と作品を並んだときに、それらの作品がどのように見えるのか、という見方も面白いのではないでしょうか。

東海のアートシーンについて感じられていることを教えてください

作家が良い距離感を保って活動が出来る場所だと思います。
ただ、アートシーンとして考えると、どれ程の密度があるのかな、という疑問もあります。
質の高い作家は多くいるので、彼らとキュレーターやギャラリー、美術館がもっと交錯してもいいのに、と思うのです。街の規模からするとアートの気配はまだまだ希薄かな。東海の人はもっと「東海のアート」を見つめる必要があるのではないでしょうか。

片山浩
1971　大阪市生まれ
1994　名古屋芸術大学美術学部絵画科洋画専攻版画選択コース卒業
1997　愛知県立芸術大学大学院美術研究科油画専攻修了

個展
1996　STITCH（ガレリア・フィナルテ／名古屋）
1998　ガレリア・フィナルテ／名古屋
1999　printings（ギャラリーAPA F2／名古屋）
2001　in the past（ガレリア・フィナルテ／名古屋）
2003　I smell it in the air （ギャラリーAPA F2／名古屋）
2004　one mimute ago（ガレリア・フィナルテ／名古屋）
　　　one mimute ago（ギャラリーAO／神戸）
2006　Scent / Water / Light （King Mongkut's Institute of Technology／バンコク／タイ）
scene（ギャラリー芽楽／名古屋）
2007　In defferent scenes（ギャラリー芽楽／名古屋）
2009　Into the depth of the trees（ギャラリー芽楽／名古屋）
　　　In defferent scenes（ギャラリーすずき／京都）
2010　Cell, ちいさい部屋の平面（名古屋大学教養教育院プロジェクトギャラリー「clas」）
　　　surface of a room （ギャラリーAPA F2／名古屋）　　　　　　ほかグループ展、多数

■ファン・デ・ナゴヤ美術展「黒へ／黒から」
会期／2010年1月13日（木）～23日（日）9:30～19:00（16・23日～17:00）1月17日は休館
会場／名古屋市民ギャラリー矢田第2～7展示室
出品作家によるアーティストトーク
日時／1月16日（日）14:00～
会場／第2展示室
※同時開催「From Thank-Cyu」アーティストトークなど（1月16日 16:00～、第1展示室）の後、懇親会を予定

■関連展覧会
「黒へ／黒から」at AIN SOPH DISPATCH
2010年1月15日（土）～29日（土）
※阿部大介、川田英二による二人展
http://ainsophdispatch.org/

「黒へ／黒から」at 月の庭
ファン・デ・ナゴヤ美術展2011と同時開催
http://tukinoniwa.jp/

「稲垣元則とENK DE KRAMER」
Oギャラリーeyes（大阪）
2011年1月24日（月）～2月5日（土）
http://www2.osk.3web.ne.jp/%7eoeyes/

写真／東条香澄《夜の入り口》2010年

アーティスト・平川祐樹

2010-09-16T01:19:00.002+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、アーティストの平川祐樹さんにお話をうかがいました。

アートとの出会いについて教えてください。

小学生の時、家の近くに豊田市美術館が開館しました。友人と2人で何度か見に行ったのですが、ある企画展でジュゼッペ・ペノーネ氏の「12メートルの木(1982)」という所蔵作品が展示してありました。

小学生なので「何故、木が美術館に展示してあるの？」と不思議に思って眺めていたのですが、たまたま近くにいた中年の男性が「これはもともと角材から彫り出されているんだよ」という説明をしてくれました。

作品の核となる部分に触れたような感覚があり、とても感動しました。

その時の胸のざわめきが、アートとの本当の出会いだった気がします。

映像に興味を持ったきっかけは？

子供の頃はゴジラやモスラといった特撮映画が大好きで、映画監督に憧れていました。

高校生の時に遊び半分でビデオ作品を制作してみたのですが、とても面白く、それ以来本格的に映像制作を志すようになり、映画の学べる美大に進学しました。

映画ではどんな作品に興味を持っていたのですか？

アンドレイ・タルコフスキー監督「ノスタルジア」、テオ・アンゲロプロス監督「永遠と一日」、邦画では小栗康平監督「眠る男」が好きです。

現実と幻想が入り交じるような物語に強く惹かれる傾向があります。

この３作品は、映像の速度が非常にゆっくりとしているのですが、そういった部分にも惹かれるのだと思います。

映画から映像作品にシフトしたのはなぜですか？

映画と映像の定義が曖昧になりつつある現代ですので、私の作品がどちらに位置するのか判断が難しいところです。

学生時代に10作品ほどの劇映画を監督したのですが、制作における根本的な部分は同じです。

ただ、映画館などの上映スペースではなく、ギャラリーなどの展示スペースで発表する事が多くなったため、映像作品と呼ばれる機会が多いのだと思います。

スクリーンと空間・場所・観客の関係性を扱うようになってから、発表の場がギャラリーへと移っていきました。

人物はあまり出てきませんが、物語の構成もあるので多面スクリーンの映画作品を制作していると思っています。

2009年以降のインスタレーション作品は、映画の各シーンという設定が背景にあるシリーズとして制作しています。

映画のシーンを断片化して映像インスタレーション作品として発表し、数十作品が集まって展示されると、1つの物語のようなものが見えてくるように構成しています。

映像、映像インスタレーション、写真と複数のメディアで制作されていますが、メディアはどのように使い分けているのですか？

時期によって、表現したいコンセプトが刻々と変化しているので、そのコンセプトを最も表現するのに向いているメディアを選んでいます。

デジタル・メディアの面白い点は、すべての情報がメディア間を簡単に横断できる点です。

各メディアの境界は非常に曖昧で、確固とした定義付けはとても難しい状況です。

パソコン上では写真を映像の一部に使用したり、逆に映像の一部を写真として使用する事がなんの違和感もなく行えてしまいます。

今のところ、作品に時間軸が必要であれば映像作品に、不要であれば写真に、空間が必要であればインスタレーションとして発表しています。

映像インスタレーションの場合、空間を時間に置き換える事ができるという点も重視しています。

これらのメディアをとおして平川さんが表現したいことは何ですか？

すべての作品を同じテーマで制作している訳ではないので、一言で表す事はなかなか難しいのですが、「メディアの発達によって変化してきたリアリティのあり方」と括る事ができます。

私が感じているリアリティというのは、現実との直接的な繋がりの上に成り立った現実感なのではなく、常にメディア（媒体）を通して再構成されたリアリティだという点です。

そして我々自身もまた、そのメディアの一部になっていると思います。

現在開催中のグループ展「浮森」ではどのようなテーマで制作されていますか？

最近は「断片化された物語」というものをテーマに制作しています。

本来、始まりと終わり（話の筋）があって成立するはずの物語が、その時間軸を失って断片化している状況は、現代社会の様々な部分で見られます。テレビをつけると、何の脈略もなくドラマのシーンがはじまり、チャンネルを変えると殺人事件のニュースが流れます。それらは社会の中で起きている様々な物語の一部であり、当事者でない限り物語の前後関係は断絶されてしまっています。

そうして断片化された物語には、物語の「予兆／残余」だけで構成された現実感が存在しています。

その現実感を、作品を通してどうにか現前化させようと試みています。

「浮森」では、断片化された映画のシーンというシリーズ作品から、森に関する作品を2点出品しています。

文化庁メディア芸術祭アート部門審査委員会推薦作品《Resight》（2007年）では、

その場所が持つ歴史や時間を立ち上げていましたが、サイトスペシフィックな作品の制作は平川さんにとってどのような意味を持ちますか？

現在、名古屋駅南に流れる中川運河の地霊（ゲニウス・ロキ）へとアプローチしたサイトスペシフィック作品の制作を行っています。

地霊とは、その場所が持つ特有の雰囲気をさし、歴史的背景・地形・人々の営みなど様々なものによって醸し出されるものです。

過去の蓄積であると同時に、場所の「予兆」であり、時間軸を持った物語でもあります。

そういった地霊から読み取った物語を運河周辺で撮影し、映像作品にその雰囲気を閉じ込めようとしています。

サイトスペシフィック作品の場合、物語は場所から生まれ、場所に帰ってゆく事が出来ます。

「断片化された物語」をテーマに作成しているシリーズが、都市の中で宙づりになった物語だとすると、サイトスペシフィック作品は大地に横たわった物語です。

ともに、現代の物語のあり方を探っているという所で、私の中では一貫しています。

現在制作中のサイトスペシフィック作品は、あいちトリエンナーレ企画コンペ入選企画として「中川運河 -忘れ去られた都市の風景-（10月/愛知芸術文化センターアートスペースX)」にて発表予定です。

東海のアートシーンについて感じていることがあれば教えてください。

名古屋はよく「刺激が少ない街」のように言われる事が多いですが、作家がアトリエを構えるにはちょうど良い刺激量の街だと思います。

中心街にいってもそこまで人口密度が高いわけでなく、街の中に適度な空白があり、遠浅の海辺のような雰囲気があります。

あいちトリエンナーレ2010が開催され、東海のアートシーンが活気づいているように見えますが、その活気をいかに持続していくかが、私たち地元作家の課題だと思います。

その一つの方向性として、地元作家のコミュニティ形成というものが重要になってくるのでは無いかと思います。

平川祐樹

1983年　名古屋市生まれ、豊田市育ち

2008年　名古屋学芸大学大学院メディア造形研究科修了

現在、名古屋市在住

【主な展示、上映会】

2007　 Toyota Art Competition 2007（立体部門優秀賞） | 豊田市美術館、豊田市

　　　　KOBE BIENNNALE | メリケンパーク、神戸市

　　　　蔵にひそむアート | 野田味噌商店蔵の杜、豊田市

2008　 Light in the Dark | Yebisu Art Labo、名古屋市

　　　　ヴァーチャル⇔リアリティ | Galleryアートフェチ、犬山市

　　　　ASK?映像祭2008 | ASK?、東京都

2009　名港ミュージアムタウン | 築地口界隈、名古屋市

　　　　Asia Digital Art Awards 2008 | 福岡アジア美術館、東京ミッドタウン

　　　　第12回文化庁メディア芸術祭 | 国立新美術館、東京都

　　　　白昼夢　DayDream | 愛知県芸術文化センター、名古屋市

　　　　ASK?映像祭2009 | ASK?、東京都

　　　　Festival Miden 2009 -Urban (R)evolution | Histric Centre of the city of Kalamata、ギリシャ

　　　　Electrofringe 09 |Newcastle、オーストラリア

　　　　個展「乖離するイメージ」|Standing Pine-cube、名古屋市

　　　　KC-LAB1 |Korzo5Hoog、オランダ

　　　　 KoMA'6 |Hall of Faculty of Music in Belgrade、セルビア

2010　 ART FAIR KYOTO in Hotle Montrey | Hotel Moterey,Kyoto、京都

　　　　映像の学校「愛知の新世代たち」｜愛知芸術文化センター、名古屋市

【今後の展示、上映予定】

「浮森　-floating forest」

2010 年9月11日（土）～10月3日（日）

Standing Pine -cube（中区栄）

出品作家：伊藤正人、田口健太、平川祐樹

http://www.standingpine.jp/

あいちトリエンナーレ2010現代美術企画コンペ入選企画展

「中川運河 -忘れ去られた都市の風景-」

2010 年10月6日（水）～10月31日（日）

愛知芸術文化センター・アートスペースX

企画：田中由紀子　出品作家：平川祐樹、水野勝規、吉田知古

http://aichitriennale.jp/artists/competition/yukiko-tanaka.html

http://nakagawacanal.web.fc2.com/

上映「Cinesonika」

2010年11月12日（金）～21日（日）

Simon Fraser University Surrey Theatre（カナダ）

http://www.cinesonika.com/

写真：《synchrome》

Double Channel Video Installation,2009,08:40 loop,Full HD,Silent

アーティスト・伊藤正人

2010-06-15T01:40:00.003+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、アーティストの伊藤正人さんにお話をうかがいました。

壁や原稿用紙に万年筆でテキストを書いていらっしゃいますがテキストの作品を制作し始めたきっかけは何ですか？

　学生のころからだれにも見せない個人的な文章を日常的に書いていて、もしかしたらそれが作品になるのではという思いはずっと抱いていました。

　転機となったのは大学４年生のときのドイツ留学でした。実はドイツで美術をやらずに小説を書いていたのですが、ちょうど卒業制作も同時期だったのでその小説を出したいと教授に申し出たら「視覚芸術でないと作品として認められない」と言われました。その一言でずいぶんと落ち込みましたが、教授に対する反骨精神のようなものもあって「文章だってまず目という視覚機能で文字というかたちを認識して、それからはじめて文字を文章として読めるわけだから、そこに視覚的な要素も充分あるはずだ」と考えて、「a piece of voice」（http://royalbluemountain.blogspot.com/2005/01/piece-of-voice-200501.html）という作品をつくりました。

　この作品は美術のための小説作品であり、小説のための美術作品でもあると思っています。（ここではあえて「文学」という言葉を使いますが）美術側から文学へとアプローチする、あるいは文学側から美術へアプローチするという思考の流れ方のようなものもその頃からいまに至るまで常にどこかで意識しています。

テキストの青色にはどんなこだわりがあるのですか？

遠くにある山が青く見えるのは、理由のひとつとしては空気の層が重なっているからなのですが、たまたま知人から頂いた万年筆のインクの色がロイヤルブルーで、万年筆というのは買うと最初に入っている色がかならずロイヤルブルーなのだそうです（かつてヨーロッパで公式の文書にサインするときはこの色を使っていたそうです）。

　たまたま、遠くの青と手元の青が符合していたのだと気付いたときに、文章の作品のイメージがぼんやりと浮かび上がりました。青というのは景色までの距離を測るために必要不可欠な色だと思っています。

テキストの言葉はふだんから書きためていらっしゃるのですか？

　個人的に毎日書きとめている短い日記と、一ヶ月のあいだに２,３回書いている長い日記のようなものがありますが、作品のための文章をふだんから書きためるということはあまりしません（ブログに書いている文章は作品未然の文章として書いています。ツイッターは今のところ備忘録的存在です）。

　書きたいことはずっと頭のなかに浮かんでいるのですが、それが文章になるには長い時間がかかります。そのあいだ、ずっと景色を見て考えています。書きたいことと景色がつながったとき、ようやく作品としての文章を書くことができます。

以前はおもに壁に書いていらっしゃいましたが昨年くらいから原稿用紙を使われるようになったのはなぜですか？

　作品として、僕の書いた文章がひとの手に渡っていくことをずっと考えていました。壁をまるごと渡すわけにはいかないので、どういうかたちであったらシンプルに手渡すことができるだろうかと。文章というと本や手紙といった媒体が浮かびますが、それではあまりに形式的過ぎる気がしていまもまだ納得できておらず、壁に書きはじめてから３年ほど経ったころに原稿用紙というものに出会えたとき、とてもしっくりくる距離感がありました。

　文学館へ行くとよくショーケースに作家の生原稿が展示してあって、それもヒントになっています。壁に書いたものは渡せないのですが、その生原稿として原稿用紙の作品を渡すことは可能だと思ったわけです。

「Royal Blue Mountain」シリーズではテキストで山並みの景色を立ち上げていらっしゃいますが「Royal Blue Mountain」シリーズで伊藤さんが表現したいことは何ですか？

　一言で言えば「景色」です。とても抽象的な言い方になってしまいますが、言葉で景色を越えたいと思っています。

　たとえば部屋にこもって文章を書いているとき、小説を読んでいるとき、ふと息抜きがてらにそとへ出ると、目のまえの景色が躍動して見えることがあります。大袈裟ですが「世界が生きている」とさえ思います。そんな世界を相手に文章で戦おうとしているだなんて、とてもじゃないですが勝ち目はないと思ってしまいます。勝ち負けの問題ではないのですが、もし言葉の限界を超えて、さらに眼前の景色を越えることが可能だとするならば、そこにはおそらく美術の力が必要なのだと思っています。

最近、山並みから森や植物にテーマが広がっているのはなぜですか？

　景色に対する自分の位置取りの変化、言葉に対する距離の置き方の変化だと思います。

　「Royal Blue Mountain」という作品ではたとえば自宅のベランダから見える山の断片がひとつの指針となっていますが、最近はその山のほうへ近づいていく道もみつけたということです。足下で何気なく微風にゆれている植物の葉先をぼんやり見ていた自分自身に気付いたとき、そのぼんやりとした距離感が言葉そのものに対して僕が定めている距離感ととてもよく似ていると思ったのです。

今年はグループ展、個展が目白押しですがどんな展開を考えていらっしゃいますか？

　12月にアインソフディスパッチで個展があるので、そこでは今年ずっと考えている植物のことをとおして改めて青い山についての作品を発表しようと思っています。インクの青色と山の青色が符合していたと気付いたときのように、言葉の質量と景色の質量のようなものがひとつのある概念によって符合していたとついさいきん知ったのです。そのことについてうまく作品にできたらなと思います。

　自分の身体が移動し続ける限り景色に終わりがないように、ひとつひとつの作品が連綿と続いていくように作っていこうと思っています。

東海のアートシーンについて感じていることがあれば教えてください。

　東海、主に名古屋ということになりますが、なんだか名古屋はしずかな船着き場のように思えます。他の土地からそこにやってくることもできれば出ていくこともできるし、つながりもいろいろあるわけですが、流れはあるはずなのに出入りする際の音がしずかで澱んでいるように思えるのです。自ら音を出すことも、他者から音を出されることもあまり好ましく思っていないような。あるいは音の出し方を知らないだけなのかもしれません。

　僕自身はといえば、いま自分にとってどんな船が望ましいのか、船の種類を見定めているところです。

伊藤正人

1983　愛知県豊田市生まれ

2004-05　Bauhaus Universität Weimar（ドイツ, ワイマール）短期留学 

2005　名古屋造形芸術大学総合造形コース卒業

2006-08　オルタナティヴスペース「galleryアートフェチ」（名古屋）に所属 

現在、名古屋在住

｜主な展覧会｜

2010

「ボクラノミカタ」ガレリアフィナルテ（名古屋）

「MOOK」AIN SOPH DISPATCH（名古屋）

「Collection/Selection 02」GALLERY CAPTION（岐阜）

2009

「cutlog 2009」Bourse de Commerce de Paris（フランス, パリ）

「常滑フィールド・トリップ２００９」とこなめ中央商店街（愛知県常滑市）

「Landscape」GALLERY CAPTION（岐阜）

 2008

「常滑フィールド・トリップ２００８」とこなめ中央商店街（愛知県常滑市）

個展「Royal Blue Mountain -sight hearing-」galleryアートフェチ（名古屋）

2007

「鏡 -微睡みと反射-」ギャラリーフロール（京都精華大学）

「秋の芸術フェチフェアー」galleryアートフェチ（名古屋）

「Since 2004」galleryアートフェチ（名古屋）

2006 

個展「Royal Blue Mountain」galleryアートフェチ（名古屋）

blog｜http://royalbluemountain.blogspot.com/

twitter｜http://twitter.com/konigsblauberg

展覧会スケジュール

■ EXTRA NUMBER 2010

会期｜２０１０年７月２４日（土）−８月７日（土）

時間｜１３:００−２１:００　※木曜休

　会場｜AIN SOPH DISPATCH（名古屋市西区那古野2-16-10円頓寺本町商店街JAMJAM奥入ル）

　http://ainsophdispatch.org/

■ 蟬の会

会期｜２０１０年８月１日（日）−８月７日（土）

時間｜１０:００−１７:００　※月曜休

会場｜文化のみち橦木館（名古屋市東区橦木町2丁目18番地）

入館料｜２００円

　http://www.shumokukan.city.nagoya.jp/index.html

■ ミニアチュール展

会期｜２０１０年８月２１日（土）−９月２６日（日）

時間｜１２:００−１８:００　※火・水曜休

会場｜ギャラリー芽楽（名古屋市名東区梅森坂１−９０３）

http://www.gallery-garaku.ecnet.jp/index.html

■ 浮森 -floating forest-

会期｜２０１０年９月１１日（土）−１０月３日（日）

時間｜１３:００−１９:００　※火・水曜休

会場｜Standing Pine cube（名古屋市中区錦２丁目５−２４えびすビルPart２ 3F）

http://www.standingpine.jp/

■ 個展

会期｜２０１０年１２月１１日（土）−２５日（土）

時間｜１３:００−２１:００　※木曜休

　会場｜AIN SOPH DISPATCH（名古屋市西区那古野2-16-10円頓寺本町商店街JAMJAM奥入ル）

　http://ainsophdispatch.org/

写真／《flora》

原稿用紙に万年筆、2010年

アインソフディスパッチ　天野智恵子

2010-03-15T17:09:00.009+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、円頓寺商店街のセレクトショップJAMJAM店内を通り抜けたスペースにある隠れ家的ギャラリー、アインソフディスパッチのオーナーの天野智恵子さんにお話をうかがいました。

アートに興味を持ったきっかけは？

作家の杉本充さんと出会ったことです。保育科で学んでいたのですが、実習で向いていないことに気づきました。私は人の下で働くのは苦手だし、保育の仕事には適性のある人でなければ就いてはいけないと。それで学校が楽しくなくなったのですが、当時、造形科目を担当されていた杉本さんの研究室に行くと制作中の作品や美術書があり、アートに興味を持ち始めました。美大を受け直そうと杉本さんに相談したところ、大学よりも現場の方が勉強になると、画廊に連れて行ってもらうようになり、ちょうどアシスタントを募集していたギャラリーに就職。産休も含めて、10年くらいそこで働きました。

その後、独立しようと思ったのはなぜですか？

ギャラリー経営には経費がかかるので、独立はできないと思っていました。でも、私がいいと思う作家を勤務先のギャラリーでは扱えない場合も多く、ならば自分で立ち上げるしかないと。当初、展示場所はなくていいと考えていて、フリーでキュレーションをするために事務所を探していたところ、JAMJAMさんが移転先店舗の奥のスペースを使わないかと声をかけてくれたんです。JAMJAMさんの顧客にはデザイナーやクリエイターなど一点物を好まれる方が多く、部屋にアートが欲しいけれどどこで買っていいのかわからないという人も。独立してすぐにお客さんを呼ぶのは難しいですが、そういう方がお客さんになってくれました。

JAMJAMさんには、こちらの取扱作家とのコラボ商品もありますね。

ふるかはひでたかさんの陶器のかけらのペンダントや、日めくりTシャツ、大竹司さんの切り絵モチーフのワッペンなどがあります。ワッペンは、JAMJAMさんが専門業者さんに手配した縁で扱っていただいてます。グッズをギャラリーに出すと遊びっぽくなりがちですが、JAMJAMさんに置いていただけることで客層が広がります。服屋さんに来るような感覚で画廊にも来てほしいので、グッズがそのきっかけになればと。

商店街にあるメリットはありますか？

雨に濡れないこと(笑)。アーケードがあるので、搬入搬出は楽です。古い商店街ですが、若い世代にはあまり知られていないので、円頓寺にあると説明しても通じないことも。七夕祭りなどには相当の集客がありますが、イベントに来た人が来廊してくれることはほとんどないので、商店街にあるメリットは今の段階では、残念ながらあまり感じません。

どんな作家や作品に魅力を感じますか？

職人的な、緻密で仕上がりが美しい作品が好きですね。見せ方がうまい作家にも魅力を感じます。あと、決まりすぎず、スッとはずした感じに展示できる人、周りの空間や空気まで作品にできる作家。スゴイなと思う作品をつくる作家は、すべて尊敬できます。

アインソフディスパッチというギャラリー名の由来は？

「概念外」「何にもない」という意味のギリシャ語「アインソフ」と、「場所」を表す英語「ディスパッチ」の造語で、私がいいと思った作家や作品を発信していく場所という意味です。ギャラリーであることがわからないとよく言われますが、「ギャラリー」とすると来る人を限定してしまうので、あえて「ギャラリー」とつけませんでした。

開廊して3年半になりますが、ギャラリーを運営する上での悩みや葛藤はありますか？

悩みや葛藤はないわけではありませんが、どんな仕事にもありますし、それを言っても仕方がありません。アートを扱う以上、楽しい場所でありたいので、たいへんなことは出さないようにしています。

今後、展開していきたいことはありますか？

今月開催のブックマークナゴヤに初参加します（下記参照）。個展を開催していくのが精いっぱいでしたが、そろそろ外部との接点も持たなければと。これまでも多くの人に来ていただくために、見せるもののクオリティは高いまま、ギャラリーの敷居を下げることを心がけていましたが、個展形式では新しいお客さんになかなか来ていただけません。アート以外のイベントに参加することによって、こういう場所があることを多くの人に知ってもらえるチャンスになるのではと。外部とのネットワークをつくることで、古くからあるギャラリーがやってこなかったことに積極的に挑戦していきたいです。

名古屋のアートシーンについてどう思われますか？

もっとにぎやかにしていきたいですが、具体的にこういうことをしたいとかはありません。ここを運営していくことが、名古屋のアートシーンを活性化させる一つになればいいなと。いい作家がいて、プレゼンできるギャラリストがいて、評価するキュレーターや評論家がいて、作家を支援するコレクターがいて…といろいろな人がつながっていかないと活性化していかないと思います。

■展覧会スケジュール

MOOK

会期：2010年3月20日（土）～4月4日（日）木曜休廊
時間：13:00～21:00
会場：アインソフディスパッチ
名古屋市西区那古野2-16-10
052-541-3456、http://AinSophDispatch.org

参加作家：川田英二、平田あすか、荒木由香里、ふるかはひでたか、近藤ケイジャン、大竹司、阿部大介、岡田裕樹、碓井ゆい、石崎誠和、伊藤正人、テラオハルミ

写真：EXTRA TIGER 2010 展示風景　撮影／山口幸一

アーティスト・斉と公平太

2009-12-15T18:07:00.013+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、アーティストの斉と公平太さんにお話をうかがいました。

今年、「斉藤公平」から「斉と公平太」に改名されましたが、どんな理由からですか？

インターネットの無料姓名判断で、運気が上昇するよう改名しました。今年は失業したり、病気になったり、住むところを追い出されたり、アトリエがなくなったりと色々不運が続いたので、藁にもすがる思いで改名しました。

天狗の面のデッサンやロボットや怪獣を思わせるドローイングなどの制作のほか、ポスターや玩具、キャラクターグッズなど既製品を使ったインスタレーション、「LOVEちくん」「ARTくん」といったゆるキャラのデザイン、ARTくんを主人公にした4コママンガなどたいへん幅広い活動をされていますが、それらはどのような関係にありますか？

どれかがメインということは、とくに意識したことはありません、4コマ漫画も最初は何の気なしに書いてましたが、だんだん自分のなかで、メインになってきたりしてと、すべてが制作過程にあると思っています。個々の関係性は、「僕」が自分で作ったり、選んだりしたもの、という共通点以外とくにないんですが、「今，自分にとって、一番有効なのは？」ということを、そのときどきに、模索した結果が、散漫な印象を与えているかもしれません、良く言うと幅広いですが。

こうした活動をとおして、斉とさんが表現したいこと、伝えたいことはなんですか？

伝えたいことは自分でもよくわかりませんが、見て「馬鹿だなー」と思ってもらえたら良いと思ってます。

既製品のポスターや玩具、ゆるキャラなど、アートとはいえないものを作品に介在させるのはどのような意図からですか？

うまくいえませんが、好きなものをただ並べてるだけとも言えるし、本来もっている意図とは別の意味をもたせて展示するという常套手段とも言えるし、、ただ「アートとはいえないもの」とは僕は思ってないし、自分の作ったものを「アート」だと思われるのも嫌なんですよね。矛盾してますが。「アート」という意図もできれば拒絶したいと思っていて、矛盾しちゃいますが。

ブログにも日常で見つけたかわいらしいキャラクターを写真にとってアップされていますが、そういうものへの興味が「LOVEちくん」などのデザインにつながったのですか？

めちゃつながってますね、ああいうかわいいキャラものと対等になれる表現をめざしてますね。まだまだ到達できてませんが。

あいちトリエンナーレプレイベント「長者町プロジェクト」では、展示スペースを「ショップ」として展開されたのはなぜですか？

キュレ－ターさんとの話しあいできめました。「アート」だと思われたくないという自分の意図と噛み合ったので、そうしました。地方にある、ありそうで、なさそうな、お土産屋のイメージで展開したつもりです。

プレイベントに参加して収穫だったと思えることは何ですか？

展示できただけでおおきな収穫ですね。発表なかなかできない、自分のような無名で貧乏な作家にとってはそれだけでも充分収穫です、ありがたいことです。それといろいろな人たち、スタッフやボランティアスタッフさんや長者町の皆さん、見にきてくれた人、いろいろな人に助けてもらって、できた展覧会だなということを本当に感謝してます。

世紀マ3として、ライブやパフォーマンス活動もされていますが、作品制作とライブやパフォーマンス活動はどんな関係にありますか？

ライブは、KDハポンのモモジさんにさそわれて、やるようになりました。あと同じアトリエだった作家の石田達郎（A,K,Aジェット達）のパフォーマンス活動の影響も大きいです。作品制作との関係は、そのまま作品と同じに受け止めてもらえればいいです。

dotにも参加されていましたが、参加のきっかけや理由を教えてください。またどんなところにメリットを感じていますか？

（dotは今年８月に諸事情により、なくなってしまったのですが…）参加のきっかけは、2005年たまたま埼玉から名古屋にもどってきたてのころ、メンバーの板谷さんが大学の後輩で交流が以前からあったので、出入りしてるうちに、自分も入れてもらうことにしました。メリットという言葉では、言い表わせない、人と人のつながりと、恩恵にあずかりました。dotには本当に感謝してます。

京都のMUZZ PROGRAM SPACEで12月20日まで開催中の個展では、戦隊ヒーローものに登場するロボットや怪獣を思わせるドローイングを出品されていますが、あいちトリエンナーレ2010ではどんな展開を考えていますか？

あいちトリエンナーレでは、今回長者町プロジェクトで発表したものの発展形を展示する予定です。MUZZの展示は、まだ自分の中では実験段階で、絵だけを展示することが初めてなので、今回その実験にMUZZの皆さんに協力してもらって、感謝してます。

東海のアートシーンについて思うことを教えてください。

自分の知る範囲では、知ってる作家に良い作家が多いので、面白いと思ってます。

■略歴

1972生まれ
1995名古屋造形芸術大学卒

■おもな展覧会

1994「勉強時代展」ギャラリーPーhouse/東京
1998 VOCA98 上野の森美術館／東京
1998　個展NagamineProject/東京
1999　個展ギャラリーCANOLFAN/愛知
2005　第８回岡本太郎記念現代芸術大賞展
　　　　特別賞　川崎市岡本太郎美術館／神奈川
2008　新進アーティスト発見インあいち
　　　　　愛知芸術文化センター2階入り口前／愛知
2009　長者町プロジェクト
　　　　長者町繊維卸会館1階／愛知

■今後の活動予定

12.19(土)18:30～
名古屋新栄CLUB ROCK'N'ROLL
出演：西洋甲冑Ｚ(GOD-J+イノウエリョウ） / サカモト教授 / Z-Z言語「ウ」 / the act we act / 世紀マ３ / rock our electric soul

写真：《アートくんヌイグルミインスターレ―ション》 2009年

アーティスト・青田真也

2009-09-15T00:32:00.010+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、アーティストの青田真也さんにお話をうかがいました。

青田さんといえば日常的な既製品やおもちゃの表面を削った作品が代表的ですが、どういうところから着想されたのですが？

もともとかたちを曖昧にしたいという思いがあって、版画でしかも立体的に作ろうとしていました。
ただやはり技術やいろいろな限界があって、本物を使ってやってみればいいんじゃないかと考えて今の方法を試してみました。
その時にいろんな事が目の前で起きて、これはおもしろいなと考えて始めました。

表面を削ることを通して表現したいことはなんですか？

表現したいことと聞かれると「なぜ作品を作っているのですか？」というような質問と同じで困ってしまうのですが…。それでもこの作品を通していろんな物や事に囲まれて日々過ごしているのだなということにいつも気付かされます。

大学、大学院を通して版画を学ばれていますが、そのことは現在の作品にどう生かされていると思いますか？

直接的に版画の作品を制作していなくても作るプロセスなど繋がっているのかなと漠然と考えたりもしますが、どうなんでしょうか。
でもたまに版画の作品も作ったりもしますし、考え方とかエディションが取れることとかおもしろいなと思います。

昨年は神戸アートビレッジセンターが公募する若手支援プログラムに選ばれ「1 floor 2008 "No potato of name"」に参加されましたが、そこではどんな展示をされたのですか？

KAVCでは３人での展示だったのですが、ギャラリースペースとコミュニティスペースの繋がる２つを１つの空間と考えて展示をしました。僕が『もの』を見せて、八嶋有司さんが映像で吉田周平さんがインスタレーションでした。一見３人の方向性がバラバラに見えるのかもしれないと思ったのですが、見た人には繋がりがあるのではと言われました。

またこの展覧会に参加されて何か得たものはありますか？

作家３人とKAVCの方たちで一から展覧会を立ち上げたのですが、普段作品を作っているだけではわからないようなことをたくさん知りました。あと人の繋がりも大きいですね。

10月10日から始まる、あいちトリエンナーレ2010プレイベント「長者町プロジェクト2009」にも参加されますが「長者町プロジェクト2009」とはどういう展覧会なのですか？

「長者町プロジェクト2009」はあいちトリエンナーレ2010のプレイベントで、来年のトリエンナーレでも長者町地区を使って様々なアーティストの方が展示されるようなのですが、それに先駆けて展覧会が行われます。出品作家は僕の他に淺井裕介さん、トーチカ、KOSUGE1-16、山本高之さん、石田達郎さん、川見俊さん、斉と公平太さん、ジム・オヴェルメンさんです。会期中には作品展示以外にもパフォーマンスやワークショップなどイベントがたくさん催されます。僕も川見くんと小杉滋樹さん、タン・ルイさんとワークショップを行う予定です。詳しくはhttp://aichitriennale.jp/index.phpにアップされるようです。

「長者町プロジェクト2009」では青田さんのどんな展示が見られそうですか？

既製品を削る作品を以前作ったものから新しく作っているものまで何点か展示する予定です。他にもあるのですがいろいろと変化しそうなのでこの辺にしておきます。
あと別ですが宮崎知恵さんと僕とで、「長者町プロジェクト2009」を含めた３つのプレイベントのスタンプラリーのデザインをさせてもらいました。そちらも楽しんでもらえればと思います。

京都と愛知で学ばれた青田さんですが、東海エリアのアートシーンについてどう思いますか？

人との距離が近くて良いのかなあと思います。好きな作家さんもたくさんいます。

青田真也　 (AOTA Shinya)

1982　大阪府生まれ
2004 - 2005　Rhode Island School of Design(アメリカ)に交換留学
2006　京都精華大学芸術学部造形学科版画専攻卒業
2008　愛知県立芸術大学大学院美術研究科油画専攻修了
Edinburgh College of Artにて滞在制作
　　　　　　
おもな個展
2005 「個展」（Benson Hall Gallery/アメリカ）
2008 「years, months, weeks, days」（Sleeper Gallery/エディンバラ）

おもなグループ展
2004 「版読」 (京都精華大学ギャラリーフロール)
2005 「Art Camp in Kunst-Bau」 (Gallery Yamaguchi Kunst-Bau/大阪)
2006 「THE NEW FACES」 (石田大成社ホール/京都)
2007 「INDIRECT」　 (長久手中央図書館/愛知)
　　「真夜中のSHOW TIME」 (Gallery アートフェチ/愛知)
　　「City-net Asia 2007」 (ソウル市立美術館/韓国)　
　　「TOKONAMECH’07」 (元常滑丸利陶管工場/愛知)
2008　「1floor –No Potato of Name-」 (Kobe Art Village center/兵庫)
　　「群馬青年ビエンナーレ2008」 (群馬県立近代美術館)　
2009「青田真也・西園淳」 (Gallery IND./大阪)
　　「長坂常：スキーマ建築計画“HAPPA HOTEL”」アートワークで参加
　　　(青山｜目黒/東京)

受賞歴
2008　群馬青年ビエンナーレ2008　奨励賞

その他
2008　ワークショップ「なにかしらつくってみよー」 (愛知県美術館)
　　　青田真也、川見俊、小杉滋樹、タン・ルイ

写真:《》木、170×300×190mm、2008年、作家蔵

よりみち・プロジェクト実行委員会　山口美智留

2009-06-15T02:02:00.007+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、ギャラリーキャプションのスタッフで、よりみち・プロジェクト実行委員会の山口美智留さんにお話をうかがいました。

今回の、よりみちプロジェクト「いつものドアをあける」（2009年5月9日～24日、岐阜駅周辺から玉宮町界隈に点在する雑貨店パンド、八幡神社、カフェココン、岐阜市文化センター街並みギャラリー“陽だまり工房☆”、ギャラリーキャプション）は、これまでのまち系のアートイベントとは違って、アートの立ち位置を低くして日常に寄り添っていく感じの展覧会でしたね。

今回はリーフレット、リリースなどにいっさいアートや美術という言葉を使いませんでした。アートプロジェクトと謳ってしまえばわかりやすいですが、あえてアートという言葉を使わず、どこまでアートを考えられるかと。ギャラリーキャプションがこれまで積み重ねてきた展覧会を通じて生まれた企画として、特に河田政樹さんのアートに対するスタンスがプロジェクトの重要な位置を占めていました。河田さんの「かわだ新書」が本を媒体にアートを考えるというプロジェクトだったように、美術の枠組みから外れたところでアートを考えることはできないか。「アートプロジェクトです」とアートを前提とするのではなくて、雑貨屋さんの商品と同等の物としてアートを並列させられないか。そして、見る人がどうそれを捉えるかに興味がありました。見る人が、自分が何を見ているか、どう物事を受け取っているかを考える試みができるといいなと。

このプロジェクトが生まれたきっかけは？

当初から目指すところがはっきりしていたわけではなかったのですが、いつかは外で展覧会をしてみたいという思いはありました。地方のギャラリーでは見てくれる人数に限りがあるので、見に来てくれないならこちらから出て行きたいと。

雑貨店のパンドさんとカフェのココンさんとはお互い客として行き来していて、それぞれのお客さんにも案内をしていました。であれば、お互いの場所をつないで何かできるのではと考えていたところ、パンドさん店内のギャラリースペースで別のショップが出張販売しているのを知りました。ギャラリー同士で出張店舗というのはありませんが、雑貨屋間ではよくあるそうで、パンドさんがキャプションに出張店舗したら面白いんじゃないかという思いつきから、この企画が始まりました。

お互いの物が入れ替わり、物が動くことでお客さんも動く。雑貨を見に来たお客さんが、作品と思いがけず出会う。キャプションとパンドさんが歩ける距離なので、その周辺のココンさんや八幡神社、文化センターをつないで何かできるのではと概要が決まっていきました。

アートプロジェクトとせずにアートを考える試みにしようとしたのはなぜですか？

キャプションとパンドさんが入れ替わるというのは、どういうことなのかを考えました。パンドさんは行くたびに商品の陳列が替わっていて、商品の入れ替えがなくても2週間くらいで家具も含めて、部屋の模様替えのように商品の配置替えを行っています。同じ物でも置かれた場所や、隣に並ぶ物で見え方が変わるということを常に考えていて、配置が替わるだけで空間が違って見えます。物をどう見せるかを考えているという点では、ギャラリーや作家が行っていると変わりはなく、ギャラリーというニュートラルな場所ならば、日頃からパンドさんが行っていることが際立って見えるのではと考えました。

河田さんからも自作をパンドさんに展示してもらったらどうかという声があり、これまでキャプションで発表した作品のなかから、パンドさんにセレクトから展示までしてもらうことに。商品を仕入れてお店に陳列するのと同じ感覚で作品を展示したらどうなるか、これまで発表した時とは見え方が変わるはずだと。河田さんからの提案で、物をどう提示するか、そしてそれをどう受け取っていくかというプロジェクトの主軸ができました。

雑貨屋がギャラリーで展示することやキャプションと入れ替わることはアートではないかもしれないけど、そういう試みをとおしてアートについて考えていくことになるのでは。そこから、作品と商品の境目がなく、どれが作品でどれが商品なのかわからない状況をつくり出していきました。

場所によって物の見え方が変わるのと同時に、置かれる物により場所の見え方も変わった気がしました。パンドさんの商品によって、キャプションの空間がまったり見えたり。

どんな空間にも言えることですが、空間にはそれぞれ特徴があり、それに合わせて、ここはこんな作品を置くときれいに見えるとか、こちらの意識や空間への接し方が固まっていたことを、パンドさんの展示作業を見ていて感じました。展示物の高さや間隔など作品を展示する場合の決まり事についてパンドさんはご存じないので、逆に私たちがやってはいけないと思っているところにも面白さがあるなあと。いつも自由に展示をしているつもりでしたが、実はそれほどでもなかったと。

今回の展示に際して、パンドさんもこれまで店舗で無意識にやっていたことと向き合わなければならなかったようです。場所や作品と向き合うことは自分と向き合うことなので、自店の商品や河田さんの作品と一から向き合った時に、これまで無意識にやっていたことを改めて見直す機会になったと話されていました。

商店やカフェを使ったアートイベントはほかでもありますが、神社は意外性がありました。

岐阜は車社会なので街中のことを知らない方も多く、八幡神社に馴染みのない人も少なくないので、そういう人たちにも街の魅力的を伝えられたらと。

神社はそこに何か作品を置いたりしなくても、そのものがインスタレーションだと言えるのではないかと思います。鳥居をくぐっただけで、空気が違って感じられたり気持ちが切り変わったりして、体感する要素がたくさんあります。神社そのものを体感してもらえることができないかと、作家の後藤譲さんには敷地内の環境を整備してもらい、持ってきた作品を置くということはしませんでした。作品を置くと、それだけを見て帰ってしまいがち。神社に足を運んでその場所を体感してもらうきっかけを、後藤さんに作っていただきました。

だから、何もなかったと思った人もいるし、神社そのものの魅力を感じた人も。「作品がない」という苦情が来ると覚悟していましたが、想像以上に神社という場所を受け入れてくれた人が多かったようです。作品があると一瞥して帰ってしまうこともできますが、その分だけ長く滞在して「あれが作品かな」「これが作品かな」と思われて、それを持ち帰ってくださったのかなと。結局、そこで気になったものが「作品」と受け止められていたようです。

「いつものドアをあける」というタイトルの意味は？

あえて曖昧なタイトルにしたのは、それに対してイメージするものが人それぞれだろうから。お客さんに対しては、キャプションやパンドさん、ココンさんのドアを開けた時にいつもと違う風景が広がっているということや、日常のドアを開けてみた時に出会える世界があるということなど。主催者側としては外に出て、雑貨屋やギャラリーという枠組みを超えたところで自分たちの普段の取り組みを考え直す機会となれば、というところから。考えていることは外側に対象化しないとなかなか見えてきません。内に向かって考えているよりも、外に映すことでわかるようになると思います。

このプロジェクトをとおして伝えたかったことは？

同じ物を見たり同じ体験をしていても、人によって捉え方がまったく違います。特に神社では、あることとないこととは、いったいどういうことなんだろうと考えてもらえるといいなと。「なんであれがアートなのか」と言う人もいましたが、後藤さんが環境を整備したりしたのはアートではなく、神社に立った人があの場所をどう受けとめたか、そこにアートがあるのではないかと思います。キャプションでは、パンドさんが出張店舗していることを可能な限り伝えましたが、「これが作品？」と思った人も多いはず。物そのものより、ギャラリーとかアートという枠組みの中で物を捉えていることについて考えてもらえたらと思います。

アーティスト・川見俊

2009-03-15T02:22:00.004+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、3月15日から上野の森美術館で開催のVOCA展に出品されるアーティスト・川見俊さんにお話をうかがいました。

川見さんは平面に限らず、立体、映像などさまざまな媒体を使って制作されていますが、今回、平面作家の登竜門と言われるVOCA展に選ばれたお気持ちを聞かせてください。
展示の予定がないと普段あまり制作できないので、良い目標になりました。田舎の家の絵を東京で展示できるのがうれしいです。平面作品を続けていてよかったと思いました。

その作品はキャンパスに油彩やアクリルでではなく板にペンキで描かれていますが、なぜそのように描かれるのですか？
《地方の家》というタイトルで、実在する普通じゃない外観の田舎の家を描いていますが、モチーフの民家は木造で、壁がペンキで塗り変えられているので、自分も木製パネルにペンキで描いています。家を撮影して写真を見て描いていて、今までに40軒描きました。VOCA展では35・36番を展示します。

今後、このシリーズはどのように展開されますか？
もうやめよう、と何度も思いましたがやめてないので、変な家が見つかれば、今後も少しずつ変化しながら続けるかもしれませんが、いまのところ年末から中断しています。かわりに、田舎のモニュメントなどを描いたり(どこどこのなになにシリーズ)、素朴な風景を描いたりしています。

川見さんの作品は平面に限らず思わず笑ってしまうものが多いですが、どんな時に作品のアイデアを着想されるのですか？
アイデアをメモする体勢じゃないとき、アイデアをメモする体勢のときの両方。

こうした作品を発表することをとおして、川見さんが表現したいことや伝えたいことはなんですか？
わかりません。

ではなぜ制作されているのですか？
みんながやっているから。また、近い将来展示できるだろうという予測があるからです。

東海のアートシーンについて感じていることがあれば教えてください。
特にないです。東海で気になる作家は、加藤優一さん、小杉滋樹さん、大杉沙絵子さん、斎藤大二さんなど。

川見俊（かわみしゅん）

1981　静岡県生まれ
2002　アメリカ・カーネギーメロン大学短期留学
2004　名古屋造形芸術大学　視覚伝達デザインコース卒業
2004　名古屋造形芸術大学彫刻コース研究生前期修了

個展
2005　地方の家/at the flat・エジンバラ
2006　/sakurayama studio・名古屋
/ U8projects(名古屋造形芸術大学内)・小牧
　
グループ展
2003「混乱」展/ギャラリー110・常葉
2004　交流展/WHITE HOLE・名古屋造形芸術大学構内・小牧
　　　新言語vol.2「リアル」/エビスアートラボ・名古屋
　　　プラチック・アルデンテ/市民ギャラリー矢田・名古屋
　　　Energetic Extension/supplement space stone&water・韓国
　　　コンランショー/okada studio・知多
　　　うんこ展/+ギャラリー・江南
　　　キリングタイム/アートスペースX・名古屋
　　　MOVE around/DIVE deep/Hall Way,Post・景園美術大学・韓国
2005　MOVE around/DIVE deep/市民ギャラリー矢田・名古屋　　　
　　　字界へ-隘路のかたち/長久手町文化の家その他・長久手
2006　ART LABO ANNUAL 2006/エビスアートラボ・名古屋
　　　マーチ part ・/ケンジタキギャラリー・名古屋
　　　Report"at the flat"in Edinburgh/sakurayama studio・名古屋
2007　キリングタイムVol.2/学食2F(愛知県立芸術大学内)・長久手
　　　真夜中のSHOW TIME/アートフェチ・名古屋
　　　City_net Asia 2007/ソウル市美術館・韓国
　　　TOKONAMECH`07/元丸利陶管工場、art&design rin`・常滑
　　　NEWS/ケンジタキギャラリー・名古屋

2008　野外研究/みのかも文化の森、美濃加茂市民ミュージアム　野外・美濃加茂
2009　NINE/ケンジタキギャラリー・東京

ワークショップ
2008　裏・夏休みなにかしら作ってみよ－/愛知県美術館・名古屋

■展覧会スケジュール
VOCA展
会期:3月15日(日)～30日(月)
時間：10:00～17:00（金曜日のみ19:00まで、入場は閉館30分前まで)
会場:上野の森美術館
入場料:一般・大学生500円

THE CAVE
会期:3月25日(水)～29日(日)
時間:9:30～17:00(入場は16:30まで、最終日は16:00まで)
会場:名古屋市博物館三階第七展示室
参加作家:織田真二、川見俊、佐藤克久、田口美穂、中嶌佳秀、前川祐一郎

写真:川見俊《地方の家25》パネルにペンキ、90×90cm、2007年

アーティスト・平田あすか

2008-12-15T08:16:00.000+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、グループ展「Dual-Life」を終えたばかりで、来年2月にはグループ展「outopos」を控えるアーティスト・平田あすかさんにお話をうかがいました。

大学では版画を学んでいらっしゃったそうですが、ベルベットの布を脱色したり刺しゅうを施したりして絵を描く現在の作風になったのはいつごろですか？　またそのきっかけを教えてください。
版画技法のシルクスクリーンは版をキッチンハイターに浸けて図柄を消し、また新しい型を写すのですが、誤ってそのとき履いていたベルベットのズボンの上にハイターを落としてしまいました。熱くて少し火傷をしてしまったのですが、その時ズボンの色が落ちたのを見て面白いなと思ったことがきっかけです。
また、版画は機材がないと出来ない技法が少なくなく、大学を出てからはアトリエもないので、それでも制作できる素材を使って作品を作っています。でも最近は油彩もまた描いてみたいなと思っています。

版画や版という考え方は今の作品にどう活かされていると思いますか？
版画を制作していたことで線に気を使うようになったと思います。

昨年、アフリカでレジデンスされたそうですが、印象に残るエピソードがあれば教えてください。
ナイロビでの滞在中に、スラムの青年達と数日ワークショップをした時のことですが、彼らは朝ご飯も食べず毎日スラムから工房まで２時間もの道を歩いて通っていました。また、バスで通っていた私たちよりいつも早く来て工房の前で待っており、昼食を食べるのも忘れて新しいことをどんどん吸収し楽しそうに制作していた姿が心に残っています。

アフリカでの経験は作品にどう影響していると思いますか？
違う場所へ行くと今まで見たことない面白いと感じるものが沢山あるので、それが作品に登場します。また、そこで見てきたことや出会った人達のことを思うと頑張れる気がしてきます。

横浜トリエンナーレ会期中にBankart企画の展覧会で、横浜の町中にフラッグの作品を掲げられましたが、アートを町に存在させることのおもしろさや難しさについて教えてください。
おもしろいと思うことは私と全く違うことをやってきた人達と関われるので社会と繋がる感覚があります。しかし、展示してもらう場所の理解を得ることはなかなか難しいと感じます。

平田さんの制作のテーマや作品をとおして表現したいことは何ですか？
様々な場所へ行くと、いろいろなものが繋がっているんだなと感じます。その中で作品を通して豊かに生きるヒントを探しているように思います。

2月にグループ展を控えていらっしゃるそうですが、その抱負を。
展覧会タイトルが「outopos」というのですが、1500年頃のギリシャ語で平等で美しい世界の実現を目指しeu（良い）topos（場所）という言葉があったようです、しかし理想郷を追求すると人々の思想の中に非人間的な管理社会の様相が強くなっていき素晴らしく良いがどこにもない場所ou（無い）topos（場所）と考えられるようになったそうです。
社会のいろいろな問題がある中で、それぞれのユートピアを見てもらうことで想像する力を見つめ直したいと考えています。

名古屋のアートシーンについて感じることがあれば教えてください。
それぞれの大学で面白い動きをしているように感じています。

平田あすか（ひらたあすか）

1978年　愛知県生まれ
2005年　名古屋芸術大学大学院美術研究科造形専攻修了
■おもな個展
2007年　平田あすか展（AIN SOPH DISPATCH／愛知）
2008年　平田あすか展（AIN SOPH DISPATCH／愛知）
■おもなグループ展
2004　大人揚棄（Art & Design Center／愛知、CAP HOUSE／兵庫、PRAHA／北海道）
2005 「くつをぬいで。」（善光寺別院願王寺書院明光閣他／愛知）
GRABANDO（Museo de los Pintores Oaxaqueños／メキシコ）
2006　Diversidad Cultural del Grabado（Centre Cultura de la Vila／スペイン）
　　　Make Yourself at Home（Brighton Media Centre Gallery／イギリス）
2007　JANA LEO KESHO（Rahimtulla Museum of Modern Art／ケニア）
2008　Asia Top Gallery Hotel Art Fair 08（Hotel New Otani／東京・YOKOI FINE ARTブース）
　　　BankART LifeⅡ（Noren Flagart Project横濱芸術のれん街／神奈川）
　　　Dual-Life（愛知県美術館ギャラリー／愛知）

■展覧会スケジュール

グループ展　outopos
参加アーティスト:石田典子、伊藤里佳、柴田麻衣、トザキケイコ、平田あすか、森田朋
会期:2009年2月7日（土）～2月22日（日）
時間: 12:00～19:00　※最終日のみ17:00まで　月曜日休廊
会場:GALLERY APA（〒467-0003　名古屋市瑞穂区汐路町1-15）
URL http://www.fuji.bpl.jp/apa/
※オープニングパーティ＆アーティストトーク　2月7日（土）18:00～

写真:《鳥からのプレゼント》ベルベットに刺繍、1020×820mm、2008年

アーティスト・百合草尚子

2008-09-15T07:23:00.000+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナー。今回は、GALLERY CAPTIONでの個展（8月23日～9月13日）を終えたばかりのアーティスト・百合草尚子さんにお話をうかがいました。

GALLERY CAPTIONでの3回目の個展ですが、今回、大切にしたことはありますか？
これまでも絵画を空間全体にインスタレーションしてきましたが、今回は壁に直接描かせていただけたので、作品が展示された壁の余白をスケッチブックの余白のように捉えて、ドローイングを施しました。キャンバスや紙に描いた作品だけでも空間は作れましたが、壁にドローイングしたら、目指していたイメージにさらに近づけた気がします。

壁にドローイングするのに苦労した点は？
どこに何を描くといった具体的なプランはなく、展示した作品を見ながら壁に描いていったのですが、一発勝負でリスキーな面はありました。調子に乗って描いたものの、離れて見たら「あれっ、この線どうしよう」みたいな。紙とは違って、描きながら全体像が把握しにくい点に苦労しました。

新たな試みとして、絵本の体裁になっている作品がありますが、ストーリーがあるようでないような不思議な絵本ですね。
すでに完成されている物に描くのは緊張もするけど、楽しかったです。ドキドキしながら描いていました。本はスケッチブックと違ってページの両面に描くので、絵の順序が決まってくるし、間違えても破棄できません。でも、最初から全体の構成を決めていたわけではなく、一枚描いては次はこうしようと考えながら描いていきました。

絵の中にしばしば現れるクマやウサギ、顔のあるブロッコリーなどは、百合草さんの分身なのですか？
気持ちというか感情みたいなものを代弁してくれているものたちです。最近、アトリエに置いてあったウサギの作品を見た瞬間に、地下鉄の窓に映った自分を見たような感覚を覚えハッとしたことがありました。全部が自分というわけではありませんが、仕事帰りの「ほっ」と脱力した感じや、きれいな風景を見て「わぁー」と高揚した感情を表現できたらと。

ブロッコリーなどは、「ほっ」としているというよりシュールな表情ですが。
ブロッコリーは学生時代から描いています。その頃から日常的なものを描いていたのですが、ある日「なぜブロッコリーにはマヨネーズをかけるんだろう」と思い立ち、次の日からブロッコリーを描き始めました。卒業制作も《マヨネーズのある風景》というタイトルで、ブロッコリーを描いています。

日常的な題材といえば、ブラジャーが飛んでいる風景などはどのように発想されるのですか？
パンツはよく風に飛ばされるけどブラジャーは重いので飛ばされないな、じゃあブラジャーを飛ばすくらい強風の風景を描こうとアルプスを彷彿させる風景を描いたのが始まりです。ブラジャーにも見えるけど、雲にも見えるという感じで。面白くしようと描いているわけではないのですが…。

森など自然の風景を描いた作品が多いように思いますが、そういう世界が百合草さんのユートピアなのですか？
身近な風景を描いているだけなのですが、絵の中に緑が多いのは、家の周囲の環境がそうだからかもしれません。でも、町を描いていないこともないんですよ。

9月16日から取り壊し前の美容院でdotの展覧会がありますが、百合草さんがdotに参加したきっかけは？
dot に参加して約4年になります。きっかけは、曽根裕さんのワークショップに参加したときに、曽根さんから「大きい絵を描いたほうがいい」と言われて。当時は家で制作していたので小さな作品しか作れず、大きな作品を描くにはアトリエが必要だと考え、dotに参加しました。

美容院での展覧会は、どんな展示になりそうですか？
既存の壁に直接ドローイングしたり、空間にモビールを吊るしたりする予定です。最終日のイベントでは「紙芝居アニメーションライブペイント」として、私が作った映像を白い紙に映し出し、それに重ねるようにライブペイントをします。

百合草さんにとって、dotどんな場ですか？
年齢や作品のタイプもさまざまなのですが、そういう点でも刺激を受けますし、メンバーの知り合いが来て、思わぬ出会いがあったりもします。一人で家で描いているのとは違い、すぐ誰かに見てもらえるのが、私にとってとてもよい感じです。今はスタジオとしての場なので、みんな各々頑張っていて刺激しあっていると思います。

東海エリアのアートシーンについて思うことは？
学生の頃は、ちょうど名古屋港のartportやdot、N-markの立ち上げなど勢いや盛り上がりが感じられ、期待感がありましたが、いまはそれぞれ活動はしていても、つながっていない気がします。

百合草　尚子（ゆりくさなおこ）
1975年　名古屋生まれ
1999年　名古屋芸術大学美術学部絵画科洋画コース卒業
2001年　名古屋芸術大学大学院美術研究科修了

■おもな展覧会
2003 　drawing（エビス・アート・ラボ／名古屋）
　　犬小屋展（エビス・アート・ラボ／名古屋）
2004　 AKIMAHEN!（Maison Folie de Wazemmes／フランス）
　　　 EIJANAIKA YES FUTURE!（Collection Lambert en Avignon／フランス）
2005　 para/dice（+Gallery／江南）
　　　 Double Bind-Seoul Fringe Festival（アートスペース・ヒュー／韓国）
2006　 International Workshop for Visual Artists（デンマーク）
　　　 solo exhibition/5 artists（ GALLERY CAPTION／岐阜）
2007　 After REMISEN#8（名古屋芸術大学アート＆デザインセンター／北名古屋）
　　　 solo exhibition/4 artists（ GALLERY CAPTION／岐阜）
2008　 daily work2008（dot／北名古屋）
　　　 solo exhibition/4 artists（ GALLERY CAPTION／岐阜）

■展覧会スケジュール

dot in LA PENSEE

会期：2008年9月16（火）～9月21日（日）時間：13:00～19:00
会場：LA PENSEE VERT（ラパンセヴェール）http://www.la-pensee.co.jp/top.html
住所：名古屋市中区栄3-23-20　交通：地下鉄矢場町駅４番出口徒歩５分
展覧会、関連イベントともに入場無料

※関連イベント　9月21日（日）19:00～22:00
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写真：《そよそよ風》木パネル、キャンバス、色鉛筆　2008年

撮影：大須賀信一

アーティスト・宮田篤

2008-06-15T07:36:00.007+09:00

アートホリックな人のいまをお届けするこのコーナーの
第11回目は、アーティスト・宮田篤さんにお話をうかがいました。

昨年秋から今年春にかけて「はくぶつ感」「としょ感」「かんそう曲」と個展が続いた宮田さんですが、振り返ってみていかがでしたか？
この他にも名古屋市美や西尾市でワークショップをしたり、「Wあつしの大運動会」を横浜でやったり、大学の基金をいただいてオランダに行ったりしました。ひとつひとつ振り返るといろいろやっていたなぁ、という感じがしますが、まだまだ、もっといろいろやりたいです。

これらの個展は独立しているものの、「はくぶつ感」は名古屋市美術館で行ったワークショップ、「としょ感」は「はくぶつ感」、そして「かんそう曲」は「としょ感」の流れを受けて展開されていて、三部作のような印象もありました。もともとそういった展開を目論んでいたのですか？
「としょ感」と「かんそう曲」は先行する展覧会期の終りごろに次の話をいただいたので、とくに三部作にしようという考えはありませんでした。ただ個展に限らず、何かやるときは前のものと繋げて考えることが多いです。

宮田さんの個展は作品を見るだけではなく、会期中に宮田さんが来場者を巻き込んで行うワークショップがとても楽しいのですが、ワークショップにはどんなものがありますか？
ちらし彫刻、微分帖、ポスティングシステム、百日オセロ、みちばたオセロ、おとしりとり、３分コッキング、二色恋、りんかく戦などがあります。

「ちらし彫刻」というのは、チラシに印刷された文字や写真のなかにある直線から、好きなものを選んで折っていくと出来上がる立体で、ちょっとコツが分かれば誰でも作ることが出来ます。出来上がったら空き箱に乗せてトントン相撲をします。折り上がったものはそれぞれ進み方が違ったりして、そのために叩き方や立体の成り立たせ方に工夫をするなど、取り組みはけっこう白熱することが多いです。

和紙に自分で図案を描いて、それで「ちらし彫刻」をする、というのも今考えていて、８月のワークショップに向けて実験しています。

「微分帖」は共同作文ワークショップで、参加者が文章をちょっとずつ追加していくのですが、追加のしかたがちょっと変です。実際に二つ折りした紙に文を書いて、挟み込んでいくので、こんなふうに真ん中の文が増えていきます。

微分帖　Apl.25 2008 ⑤

花の蜜を
吸いながら歩く小学生　花をつんでは捨てて歩くので
通ったあとには花の残がいの列が出来る。

花の蜜を
吸いながら歩く小学生　東京から
大阪まで　３ヶ月を
かけて　花をつんでは捨てて歩くので
通ったあとには花の残がいの列が出来る。

花の蜜を
吸いながら歩く小学生　東京から
大阪まで　車をよけて
人をよけて　猫にはたまについて行く
という感じで　３ヶ月を
かけて　花をつんでは捨てて歩くので
通ったあとには花の残がいの列が出来る。

花の蜜を
吸いながら歩く小学生　東京から
大阪まで　車をよけて
人をよけて　でも
たまにさみしい　ときも
あるので　猫にはたまについて行く
という感じで　３ヶ月を
かけて　花をつんでは捨てて歩くので
通ったあとには花の残がいの列が出来る。

ワークショップを始められたきっかけはなんですか？
19 歳のころにはもう「ちらし彫刻」のアイデアはあったのですが、それを作品にすることまでは考えていませんでした。その後、野村誠さんや山田珠実さんなどの作曲家や振付家、また取手アートプロジェクト、愛知県児童総合センター、NPO子どもとアーティストの出会いなど、人と関わりながら何かを作っていく人や場所を知ることで、作品へと展開していったように思います。

ただ、比較的伝わりやすいので普段ぼくもワークショップと言っていますが、自分のやっていることはいわゆる「ワークショップ」ではないように思っています。

ワークショップは絵画や映像、マンガ作品の制作にどう影響していると思われますか？
ぼくはどのような形式の作品でも、「思いつき」をとても大切にしています。出来るだけ頭に浮かんだことを「思いついちゃったからしょうがない」というような態度でそのまま作品にしたいと思っていて、それはたぶん、作品について難しく考えすぎて尻すぼみになってしまうことからぼくを助けています。

そこで、いろんな形式の作品をつくることについてなのですが、それぞれの形式が他に対して具体的な影響を持つことはあまりないように感じています。間接的なものはあるかもしれませんが、どれも「自然につくっている」という感じです。

今春、大学の基金で海外研修に行かれたそうですが、その時の楽しいエピソードがあればお聞かせください。また影響を受けたことはありますか？
ドイツで泊まったホステルで、メキシコ人とドイツ人と一緒に英語で「微分帖」をしたのは、とても楽しかったです。「微分帖」は「美文調」から来ていて、それぞれThe differential bookとThe elegant prose writingという意味だ、と言ってみたら、分かったような顔をしていました。その翌日市鉄がストライキしたのも、今となっては楽しかったかなぁ。
研修では「日本語の通じない人と何かをつくること」を考えていたので、それに協力してくれる人を探そうと、いろんな外国人や日本人と話しました。影響というわけではないかもしれませんが、その中で何度もつたない英語で自分のことを話した経験は、いま自分がなにをしようといているのかを、普段とは違うかたちで確認することに繋がったような気がしています。

東海のアートシーンについて感じていらっしゃることがあれば聞かせてください。
東海地方は、人口に対してアートNPOが少ないようです。データとしては２年前のものしか見ていないので間違っているかもしれませんが、実感としても多いようには感じません。もちろんきちんと活動を行っているところはあるし、数が多ければよいというものではありませんが、できれば東海に制作の拠点を置いていきたいと思っているぼくにとっては、ワークショップなどの場を一緒に考えてくれるかもしれないアートNPOなどがもっとあればいいな、とつい思ってしまいます。

宮田　篤（みやたあつし）http://kousinn.exblog.jp/

1984　愛知県生まれ、好きな食べ物はうめぼし
2007　愛知県立芸術大学美術学部美術科油画専攻卒業
　　　　　同大学院美術研究科美術専攻在籍
2006より野村誠、山中カメラ、深澤孝史、尾崎祐太ほかとアーティストグループ、ACD（あーだこーだけーだ）結成。山中カメラとのアートユニット、Wあつし結成。
2008　片岡球子奨学基金を得てオランダ短期滞在

■主な個展
2005　ほくほく星に進路をとれ（エビスアートラボ/名古屋）
2007　はくぶつ感（U8projects/小牧）
2008　としょ感（エビスアートラボ/名古屋）
　　　　　かんそう曲（鑓水青年美術館/東京）

■主なグループ展
2005　杣立つ（ガレリアフィナルテ/名古屋）
　　　　　GOLDEN YEAR'05（エビスアートラボ/名古屋）
2006　蜜干し展覧会（名古屋市民ギャラリー矢田）
　　　　　取手アートプロジェクト２００６（茨城県取手市内各所）
2007　リキテックスビエンナーレ≪奨励賞≫（スパイラル/東京）
　　　　　本から街が見えた時（愛知県西尾市高砂町商店街）
　　　　　Wあつしの大運動会（BankART1929・BankARTstudioNYK/横浜）

■ワークショップ
2007　びじゅつ感（名古屋市美術館）

■主なテキスト
●雑誌・書籍
「びじゅつ感ワークショップについて」　角田美奈子　平成19年度名古屋市美術館研究紀要/2008

レビュー　田中由紀子　美術手帖/2008年1月号
●その他
「うめぼしのひと」　角田美奈子　はくぶつ感のためのテキスト/2007
「ふでばこの宇宙」　水野永遠　はくぶつ感のためのテキスト/2007

写真: 《ちらし彫刻庭園》ちらし・ポスターなど 2007